Define “outsider”: 10 artistas que dan sentido a esa denominación…

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Últimamente escuchamos en demasía el término “outsider”, algo que literalmente podría aplicarse a algo o alguien que circula fuera de lo convencional, fuero de lo establecido o comunmente considerado como “normal”. Y es que, en el arte, en todas sus disciplinas, hay cosas, sensaciones y ciertas emociones que son inexplicables; puestas en escena sádicas, transgresoras, provocativas, hibridación de géneros desvergonzada, mutaciones extravagantes o simplemente manifestaciones que por ahora no admiten comparación o sinónimos. Todo puede incluirse dentro del mismo paquete.

Lo cierto es que hoy en día abundan, dada la cada vez más complicada opción de sorprender a un personal que vive a diario bombardeado por música e información, aunque el perfil lleva ahí fuera desde que se inventó el Siglo XX o mucho antes; sin ánimo de definir nada, y simplemente conmemorando a esos innovadores y en cierta manera locos capaces de armarse un universo único a su alrededor, proponemos esta primera lista de outsiders contemporáneos, pasados y clásicos. Conectando a Gary Wilson con Jerry Paper, a Dean Blunt con Otis G. Johnson, a The Space Lady con William Onyeabor.

Lonnie Holley

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“Meditación desnuda, solitaria y desinteresada. Un hombre navegando con su voz y pulsación emocional mientras construye alguna de sus genuinas esculturas a base de chatarra y elementos de segunda mano; un hombre viajando, trazando en el aire y delimitando su propio universo”.

Artista multidisciplinar desconocido fuera de su Alabama nativa hasta 2012 y con una carrera que alcanza las tres décadas de actividad, Lonnie Holley es uno de los descubrimientos musicales más genuinos de los últimos años; escultor, pintor y poseedor de un universo austero y muy personal a su alrededor, fue lanzado por Dust To Digital aquel mismo año con un álbum a modo de compilación de grabaciones, puliendo la idea de lo que se ha llamado “improvisación Soul-cósmica” con un segundo álbum de estudio este año, apoyado entre bambalinas por Joe Andrews (Raime), Bradford Cox (Deerhunter) y Cole Alexander (The Shins). Sin restar poder a la idea original y embelleciéndola con sutileza, “Keeping A Record Of It” sirve como la más completa presentación al mundo de este humilde y desinteresado trobador norteamericano.

Zenlo

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Pocos discos como “Skelethal Antics” podrían recibir tal maraña de etiquetas y denominaciones; el único material conocido de Napo Camassa aka Zenlo, un músico italiano realmente desconocido hasta que Porter Records decidió lanzar el álbum en 2009 divaga con clase y una extraña euforia entre el Jazz, la improvisación percusiva y el Rock, alcanzando niveles psicodélicos y de complejidad inauditos para los primeros compases de los 80, cuando se supone fueron realizadas las grabaciones, a una toma, directas a la cinta.

Habiendo tocado en numerosas bandas italianas progresivas durante la década de los 60 y 70, Zenlo se desmarcó de sus contemporáneos con un materil ineditable en la época; cajas de ritmo, oscilaciones, efectos, sonidos y melodías integrantes de saxofón que tanto conectan con la new thing como con el apogeo de las bandas sonoras de horror en el país transalpino. Inclasificable sería la palabra, aún en nuestros días.

Gary Wilson

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Hijo de un informático, inspirado a la tierna edad de 14 años por artistas de vanguardia como John Cage o David Tudor, Gary Wilson estaba destinado a cimentar un mundo indefinible a su alrededor; el músico de Nueva York, pionero del Pop extravagante, la experimentación con material electrónico y la explotación del desconsuelo y la ironía como temática, ha sido durante décadas citado como una importante influencia para artistas de todas las generaciones, desde productores de Hip Hop (recientemente colaboró con Pyramid Vritra), a Beck pasando por The Residents, quienes le llegaron a enviar una carta declarando su apoyo en período de abstención creativa.

Editó tan solo un álbum antes de retirarse, en 1977: “You Think You Really Know Me” supuso su principio y cierre de una prometedora carrera en solitario y en los escenarios. Fueron 20 años después cuando reapareció sin preaviso en un pub neoyorquino y cuando comenzó a recibir los justos homenajes a su figura: se encadenaron las recopilaciones, en Motel Records como en Stones Throw, sello que además lo introdujo en su nómina como uno más y con el que lanzó “Mary Had Brown Hair” (2004), un trabajo que aumentó el ya profundo culto que se le profesaba en los ambientes musicales menos convencionales.

Jerry Paper

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“Su pronunciada tonalidad melancólica, su voz y acentuación recuerdan en ocasiones a Marcos Valle, el cantautor brasileño; también hay rastro de Scott Walker, Gary Wilson o los Beach Boys en su ejecución y las sensaciones que provoca. Deja un poso de extrañeza y hedonismo difícil de igualar; a medio camino entre la curva anímica AOR, el preciosismo lounge y el “girl Pop”, éste artista se confirma como una de las propuestas más interesantes del momento por la poquísima existencia de sinónimos”.

El enigmático cantautor norteamericano se ha convertido en una de las sensaciones de este final de año; con su álbum “Fuzzy Logic” rápidamente recogido por Digitalis para dar edición física y su excelente precedente “International Man Of Misery” resonando como obras que no admiten comparación, Jerry Paper introduce una versión Pop muy plástica y delicada, de gran sofisticación y con ese punto freak que parece envolver también todas las historias que cuenta en sus canciones.

Dean Blunt

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“Si “The Narcissist II” proponía una excéntrica fórmula de art-Pop con demasiado que ver con Hype Williams, revelando el perfil más conocido de Blunt hasta el momento (esa dirección en la que se muestra como un narrador rodeado de ambientes conmocionados, densos e imprevisibles, dando a entender un intimismo casi en tercera persona, dando la sensación al oyente de estar presenciando escenas inconexas casi como un voyeaur), en “The Redeemer” todo adquiere un extraño tono surrealista invocado a través de elementos más clásicos, más básicos, más mínimos: digamos que Blunt consigue reducir su discurso bizarro a un simulacro reduccionista que consigue aunar momentos de Folk, Pop, melodías de arpa, pasajes New Age, todo tipo de interludios, fragmentos sonoros, emociones que parecen cacofonías, escenas de amor doloroso o imposible que no sabríamos determinar de qué película se han sacado y una narrativa confesional que provoca poco a poco un ingreso en ese estado que llaman la “duermevela”.

Dean Blunt se ha ido formando a sí mismo a través de un mundo imposible en el que la provocación, la confusión y el tímido surrealismo cotidiano y en baja resolución se dan la mano (y se extienden a sus apariciones en directo); primero como cerebro detrás del sonido e imagen drogada de Hype Williams y después como artista en solitario capaz de proponer canciones tan simples como retorcidas, el británico es hoy por hoy con más personalidad y carácter dentro del campo de la experimentación Pop, capaz de introducir al oyente en un complicado dilema artístico de tintes universales: ¿nos toma el pelo o realmente es un genio? Sus dos álbumes este año, “The Redeemer” y “Stone Island” le posicionan como una de las figuras de este 2013.

James Ferraro

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“A estas alturas, contextualizar a James Ferraro es cada vez más complicado; hace 5 o 6 años, mucho antes de “Far Side Virtual” o su mejor y más claro precedente, “Last American Hero” en Olde English Spelling Bee cuando corría el año 2010, el de Rochester ya apuntaba hacia una re-conversión estilística e ideológica que iba a embellecer, higienizar la agonía hipnagógica que ya se había encargado de formular con una buena pila de álbumes y documentos. Diríamos que la cadencia se ha mantenido, pero las técnicas han cambiado: Ferraro siempre ha sido crítico con el mundo capitalista que nos rodea, siempre se ha mostrado confuso y decadente, siempre ha aparecido angustiado intentando encapsular en canciones algo que es imposible imaginar si no estamos en su cabeza. El reciclaje de imaginería noventera, la MTV como centro del problema cultural estadounidense, refrito mercantil/corporativo, hiperrealidad manifiesta y recopilación de basura cibernética siempre han sido denominadores comunes de su “arte”.

Nadie puede definir mejor a un “outsider” de nuestro tiempo; cínico, con una percepción que roza la locura y camaleónico como ninguno, el nativo de Rochester pero residente en California encontró su clímax creativo con “Far Side Virtual”, una obra que sintetizaba de manera sublime todo nuestro entorno viciado y anestesiado por las grandes corporativas y una vida casi igual a la descrita por Aldous Huxley en “Un Mundo Feliz”. Después de aquello, su discurso se ha ido desintegrando como un animal en descomposición, mostrándose como una víctima del sistema y relatando historia solitarias de la vida en la urba bajo un prisma de Pop simple y R&B delirante. “NYC, Hell 3:00AM” es su último trabajo para Hippos In Tanks.

The Space Lady

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“La etiqueta “outsider musician” se creó con ella: Susan Dietrich, aka Suzy Soundz o más conocida como The Space Lady es posiblemente el mejor sinónimo conocido y femenino para Moondog; la norteamericana comenzó su carrera a finales de los 70, justo cuando comenzó a transitar las aceras de Boston vestida de manera exuberante, lanzando mensajes de amor y pacifismo, acompañada de un acordeón y versionando con él algunos éxitos de Pop contemporáneo o clásicos de la época”.

10 años más tarde se trasladó a una de las cunas de la América más idealista y sin prejuicios: San Francisco. Allí adquirió un piano Casio, unos efectos y un micrófono con el que consiguió elevar a un nuevo nivel la propuesta musical callejera de la zona y dar a su discurso una personalidad única. Después de 30 años en la sombra y solo recordada por algunas recopilaciones y habladurías dentro de la élite del coleccionismo, Nightschool comienza este año su camino hacia su primera retrospectiva oficial, en la que se incluirán éxitos como “Radar Love”, increíble pieza sobre un ritmo sleng teng y con tejido electrónico que parece creado por el BBC Radiophonic Workshop.

Otis G. Johnson

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“Aquello fue uno de los descubrimientos musicales más bonitos que recuerdo en toda mi vida; el fraseo vocal, la manera de aporrear su hammond y la oscuridad que desprendía no eran sin duda las típicas de un LP de Gospel setentero y si de un negro con cara de no haber roto un plato y una rusa con pinta de anoréxica espitosa, que hacen de sus apariciones una especie de performance de ambientes sucios y post-situacionismo sonoro”.

Elder Otis G. Johnson es otro de los descubrimientos más grandes de los últimos años, y por descontado dentro de la hazaña continua que protagoniza año tras año Numero Group; predicador, artista y visionario Gospel de Laverne (Michigan) que un no identificado día de la década de los 70 decidió grabarse a sí mismo interpretando algunas composiciones, tan solo acompañado de una caja de ritmos y un órgano Hammond. Al artefacto resultando, “Everything “God Is Love” se le dio un prensado limitado que hasta este año 2013 ha sido casi imposible de encontrar en formato físico. Por supuesto, las comparaciones situando a Otis como antepasado de Dean Blunt han corrido como la pólvora.

Medico Doktor Vibes

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“¿Se puede juntar a Edward Larry Gordon y a Otis G. Johnson y producir algo coherente? La actualidad y la curiosidad de algunos coleccionistas nos revelan que sí, que la mezcla además ya fue provocada de manera espontánea en algún momento de 1979 en el Sur de Los Ángeles”.

Fender Telecaster, un Korg Mini y unas cuantas canciones escritas. Es lo único que necesitó Bill Russell en 1979 para crear una maravillosa combinación de Folk y Soul con guitarra acústica y eléctrica, percusión básica y elemental, kalimba y otros matices caribeños; “Liter Thru Dorker Vibes” es la única obra conocida de este médico de origen guayanés que por aquel entonces residía en Los Ángeles, él mismo se prensó 100 copias con su propio dinero fundando Bi-Russell Records para la ocasión. Las vibraciones son incomparables.

William Onyeabor

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“William Onyeabor es un personaje enigmático. Una cadena de rumores. Para muchos un artista indescifrable, para otros, músico de culto, un innovador del afrobeat, del electrofunk”.

Nigeriano, estudiante de cine en Rusia, multi-instrumentista y uno de los primeros artistas independientes y hombres de negocios que pudieron levantarse de manera autónoma en el país africano, financiándose todo su material de principio a fin y sin contar con el apoyo de ninguna gran discográfica: al contrario, todo fue editado durante la década de los 70 y 80 en su propio sello/productora cinematrográfica Wilfilms Records. Sus ocho álbumes en solitario son piezas preciosas y de alto nivel bizarro; en ellas hace su aparición estelar el sintetizador y las bases electrónicas, sirviendo de acompañantes a las inocentes y simples canciones del músico, un temible visionario en la introducción de instrumental electrónico en el continente africano. ¿Who Is William Onyeabor? es la primera compilación que un sello ofrece sobre el outsider nigeriano, una iniciativa que ha costado a Luaka Bop años de trabajo.

En una próxima edición: Luie Luie, Alpoko Don, Moondog, Bruce Haack, Roland P. Young, Lata Ramasar, Wicked Witch y muchos más!

Frankie Pizá


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