Pioneras: Women of the Spheres

Delia Derbyshire (1937-2001)

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Los inicios de la carrera de la inglesa Ann Delia Derbyshire no comenzaron precisamente con buen pie, ya que después de realizar sus estudios universitarios en el Girton College solicitó un pusto de trabajo en el sello Decca siendo contestada con una negativa por razones de sexo (la política del sello era no contratar mujeres en aquella época), acabando en Ginebra trabajando durante un par de meses como profesora de música y matemáticas para el Consul General británico y después, dentro de la Unión Internacional de Telecomunicaciones de la ONU, volviendo al Reino Unido en 1960 y acabando finalmente integrando el Radiophonic Workshop de la BBC tras la salida de Daphne Oram como Asistente Gerente del estudio junto a Maddalena Fagandini y realizando hasta 1973 más de 200 trabajos para la BBC, aunque muchos de ellos quedaron sin ser acreditados a ella o rechazados, quedándose los derechos de autor retenidos por la cadena.

Uno de los trabajos más reconocidos a nivel popular fue la sintonía para la serie “Doctor Who” en 1963, aunque su trabajo para la cadena no llegaba a considerarlo música debido a las restricciones impuestas por la dirección al señalar que los trabajos realizados no tenían destino de composicón u obra , tan solo un soporte a su cadena. Años después, cuando intentaron recuperan su obra atrapada en la BBC la respuesta que obtuvo por piezas de medio minuto por parte de la BBC le exigía el pago de 500 libras por cada una. Dados los restrictivos parámetros impuestos por la BBC y el rechazo a parte de su obra, Delia tuvo que buscar otros campos donde poder progresar creativamente y no verse atada a las imposiciones de la cadena alternando su labor con el trabajo para Peter Maxwell Daniels, Roberto Gerhard, Iann Christou y asistente de Luciano Berio en la escuela de verano de Darlington. Pero la relación más provechosa fue junto a su compañero de la BBC , Brian Hogdson con el que crearon (junto al inventor Peter Zinovieff) la organización Unit Delta Plus dedicada a la creación y promoción en radio, televisión, cine , teatro y publicidad de música electrónica. Pero fue la unión entre el norteamericano David Vorhaus y la dupla Derbyshire – Hogdson bajo el nombre de White Noise los que consiguieron realizar una de las obras más célebres dentro de la experimentación electrónica uniéndose a la psicodelia de la época como fue el disco “An Electric Storm” (1969).

La minuciosidad empleada por Delia manipulando los sonidos que grababa en cintas magnetofónicas mediante generadores de ruido blanco, sociladores de válvulas, filtros, grabadores analógicos, etc, que cuyo montanje de corta y pega conseguía resultados únicos. Tras dejar el trabajo en la BBC, poco a poco fueron desapareciendo los rastros de su trabajo y se alejó de estos terrenos siendo posteriormente rescatada por admiradores como Pete Kember (con el que crearía antes de fallecer la composición “Synchrondipity Machine (an unfinished dream)”) o Aphex Twin en los años noventa para intentar que volviera a grabar nuevo material, pero las enfermedades se la llevaron en julio de 2001.

Trabajos recomendados:

“Doctor Who” (1963)
“Invention for Radio nº1″ (bootleg, 1964)
“BBC Radiophonic Workshop” ( BBC , 1968)
“White Noise – An Electric Storm” (Island,1969)
“Electro Sonic” (junto a Don Harper y Brian Hogdson, donde utilizan distintos alias siendo el de Derbyshire, Li De La Russe) (KPM,1972)

Beatriz Ferreyra (1937-)

Beatriz Ferreyra

Nacida en Córdoba, Argentina, la estudiante de piano de Celia Bronstein en Buenos Aires siguió sus estudios de piano en Francia y Alemania, entrando en 1963 dentro del Groupe de Recherches Musicales a las órdenes de Schaeffer, después de quedar impactada tras asistir a una actuación de éste (Concert Collectif). Tras aprender con Edgardo Canton nociones de como manipular cintas, realizó un curso de dos meses impartido por Scaheffer que percibió su buen oído para la música electroacústica y le pidió acompañarle en el estudio para asistirle en su trabajo “Le Solfège de l’Objet Sonore ” basado en su libro “Le Traité des Objets Musicaux ”. Después, formó parte de una división dentro de la GRM llamada Groupe Solfège a las órdenes de Bernard Baschet donde seguían capturando los distintos sonidos y posibilidades de los intrumentos desarrollados, donde también se encontraba Guy Reibel, donde investigaron en diferentes campos como la relación entre la percepción sonora y las leyes físicas. Estuvo dentro de este colectivo hasta 1970, cuando construyó su propio estudio con tres tape recorders, un mezclador y un pequeño sintetizador. A partir de ese momento, sus obras para ballets, bandas sonoras , terapias musicales y trabajos comisionados se convierten en la principal actividad de Ferreyra desde entonces, además de impartir conferencias y seminarios.

Trabajos Recomendados:

“Petit Poucet Magazine” (Mnémosyne Musique Media,1998)
“Dans Du Point Infini” (INA-GRM,2012)

Maryanne Amacher (¿1938 o 1943? – 2009)

Maryanne Amacher

Otra figura clave dentro de la composición experimental norteamericana es la nativa de Kane (Pennsylvania), Maryanna Amacher cuyos distintos trabajos e instalaciones manipulando el sonido como si fuera una escucltura son todo un referente en la vanguardia norteamericana modificando estandartes dentro de las instalaciones sonoras denominado como “otoacoustic emissions”, un sistema donde múltiples altavoces emiten a un volumen ensordecer creando la sensación al oyente de perder la sensación del espacio y creyendo que son sus oídos los que producen la música. Por lo que también podemos considerar a esta estudiante de Stockhausen, como una pionera dentro del noise. Una de sus primeras obras en este campo fue “City Links: Buffalo”, una pieza de 28 horas de duración usando cinco micrófonos en diferentes partes de la ciudad y emitida en directo por la emisora WBFO, siendo la primera de otras 21 piezas de esta serie, además resultando sus técnicas precursoras de lo que ahora se conoce como “telematic performance”. A principios de los 70, empezó diferentes colaboraciones con John Cage como en la pieza de diez horas de duración titulada “Empty Words/Close Up”.

Pero fue la instalación sonora “Music For Sound-Joined Rooms” que comenzó en 1980 la que volvía a demostrar la originalidad de su propuesta al ir buscando las peculiaridades arquitectónicas de diferentes edificios y creando un entorno sonoro para cada parte del edificio, empleando múltiples altavoces configurados para ir creando la sensación de que los sonidos proceden de los lugares específicos y no de los altavoces, consiguiendo elaborar una narrativa con tan solo recorrer el edificio , como extensión a estas instalaciones creó las “Mini-Sound Series” en 1985, un nuevo formato multimedia basado en la narrativa de las miniseries de televisión, cuyas instalaciones eran planteadas para una series de conciertos de larga duración durante cuatro o cinco semanas. Finalmente, su obra la podemos rastrear gracias al sello de Zorn , Tzadik, al editar dos trabajos donde Amarcher explora el concepto de “Third Ear Music” en la serie “Sound Characters” (1999 y 2008). En el primer volúmen Amarcher definía este concepto de “ear tones”:

“When played at the right sound level, which is quite high and exciting, the tones in this music will cause your ears to act as neurophonic instruments that emit sounds that will seem to be issuing directly from your head … (my audiences) discover they are producing a tonal dimension of the music which interacts melodically, rhythmically, and spatially with the tones in the room. Tones ‘dance’ in the immediate space of their body, around them like a sonic wrap, cascade inside ears, and out to space in front of their eyes … Do not be alarmed! Your ears are not behaving strange or being damaged! … these virtual tones are a natural and very real physical aspect of auditory perception, similar to the fusing of two images resulting in a third three dimensional image in binocular perception … I want to release this music which is produced by the listener”.

Además del reconocimiento de la comunidad artística norteamericana durante todos estos años, fue galardonada con diferentes premios por sus obras.

Trabajos recomendados:

“Sound Characters” (Making The Third Ear) (Tzadikz, 1999)
“Sound Characters 2″ (Tzadik, 2008)

Además se pueden encontrar diferentes extractos de sus obras de los años ochenta repartidos en diferentes recopilatorios en sellos como Nonesuch, Asphodel o Ellipsis Arts.

Annea Lockwood (1939 -)

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Nacida en Nueva Zelanda y cuyo trabajo exploraba las distintas posibilidades de las grabaciones de campo y los sonidos recogidos en entornos naturales, además de piezas que estaban basadas en instalaciones cercanas al movimiento Fluxus, quemando o sumergiendo pianos. Con 22 años, se fue hasta el Londres a continuar con sus estudios en el Royal College of Music y durante esa década se sintió atraída por diferentes campos artísticos colaborando con poetas sonoros, artistas visuales y coreógrafos, fruto de este trabajo que culminó en una serie de experimentos en búsqueda de experimentar con diversos timbres y diversas fuentes sonoras en sus Glass Concerts que acabaron recogiendo diferentes grabaciones que acabaron editadas en 1970 en el disco “Glass World of Anna Lockwood” , en la misma época empezó una serie llamada Piano Transplants (1969-1982), donde pianos acababan siendo quemados, sumergidos, enterrados en arena o plantados en un jardín inglés.

Pero la siguiente parte de su obra, está centrada en captura un mapa sonoro de diferentes coordenadas, entornos y narrativas cotidianas, como ejemplo su album “A Sound Map of The Hudson River” (1989) o “A Sound Map of the Danube” (2008) y sigue actualmente en forma con discos tan formidables como los editados el año pasado como “ Sound Map of The Housatonic River” e “In Our Name”, este último con textos extraídos del libro “Poems from Guantanamo: The Detainees Speak” y el saxo barítono de Thomas Buckner y Theodore Monk al cello, entre otras voces y elementos empleados, que indican los distintos intereses y campos abarcados en su obra desde experimentos microtonales, tratamiento de sonidos de intrumentos tradicionales de diferentes partes del mundo, experimentos vocales o paisajismo electroacústico. Sigue en activo y es una figura a descubrir absolutamente.

Trabajos recomendados:

“Glass World of Anna Lockwood” (Tangent,1970)
“A Sound Map of the Hudson River” (Lovely Music, 1989)
“Breaking the Surface” (Lovely Music, 1999)
“A Sound Map of The Danube” (Lovely Music, 2008)
“In Our Name” (New World, 2012)

Maggi Payne (1945 -)

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Otra figura dentro de la experimentación es la de Maggi Payne, aunque se podría catalogar con mayor propiedad como una artista interdisciplinar (con diversos trabajos de video y danza), y lleva ejerciendo como co-directora del Center for Contemporary Music en el Mills College de Oakland , California, donde también se encarga de impartir clases de ingeniería de sonido, composición y música electrónica. Muchos de sus trabajos siempre han tenido de apoyo un aspecto visual o de danza, cine, etc. Pero de todas estas asociaciones la más notable fue junto al artista visual Ed Tannenbaum (y también director ténico de CCM en el Mills College) durante veinte años , de las cuales Root Strata se encargó el año pasado de rescatar el aspecto sonoro de Maggi Payne para la obra “Technological Feet”, titulada : “Ahh – Ahh – Music for de Tannenbaum’s Technological Feets, 1984-1987”, donde empleaba un Apple II y primitivos dispositivos de sampleado. Además de su pequeña muestra de trabajos editados recogiendo su obra a nivel sonoro , también ha participado en distintos discos como intérprete de su instrumento predilecto: la flauta. En el presente, sigue rescatando su archivo sonoro para entregarnos en un futuro nuevas pistas sobre su diferentes etapas artísticas.

Trabajos recomendados:

“Crystal” (Lovely Music, 1986)
“Ahh – Ahh – Music for de Tannenbaum’s Technological Feets, 1984-1987″ (Root Strata, 2012)


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